ズートピアはすごい。いや、すごいなんてもんじゃない。 　ディズニー映画最新作『ズートピア』を観てきました。 　『シュガー・ラッシュ』を劇場で観た時に、その完成度……緻密すぎるストーリーと魅力的なキャラクターに度肝を抜かれ、「ディズニーを子ども向けアニメとして侮ってはいけない」と痛感させられてから数年。同じリッチ・ムーア監督の新作とあって、大いに期待していきました。 　そして……期待を大きく上回る、圧倒的なパワーにまたも圧倒されました。 　何が凄いって、１つの映画にあそこまで詰め込めるのか、という。 　普通、子ども向けの映画は大人には単純すぎて、大人向けの映画は子どもにはわかりにくかったりするし、 　テーマやメッセージ性の込められた話は退屈で説教臭く、エンタメに寄った作品は薄っぺらくなったりしがちなところを、 　ズートピアは全てのベクトルを完璧に満たしている。誰が見ても納得できるし、考察の余地がたっぷりあって、でも考察しなくても楽しめるという、まさに懐の深さと広さを両立した傑作です。 　で、当然ながらズートピアのストーリーについてもいろいろ語りたいことはあるんですけど、正直突っ込みどころがなさすぎて「ここが良かった」「ここが素晴らしかった」みたいな話しかできないし、それは思いっきりネタバレだし、そもそも観た後に一緒に観た友人とだいたい語り終えて満足しましたし。 　あと、伏線というか丁寧なフリの回収に関しては既にまとめ上げた先駆者がいらっしゃるのでそちらを参照していただければ。 『ズートピア』におけるハードコア反復/伏線芸のすべて - 名馬であれば馬のうち 　というわけでこの記事はテーマ性の話をします。ネタバレも多々あります。ストーリーの結末までは書きませんが、でも映画を観てから読んだ方が絶対にいいと思います。あの映画は先入観なしで観る方が絶対面白い。 　あと関連して『シュガー・ラッシュ』の話も若干します。こちらもまだ観てない方で初見で楽しみたいと思う方はご遠慮ください。 -------------------- 　『ズートピア』はアメリカ社会の比喩になっていて、「差別・偏見」を描いた映画である、みたいなことは、ツイッターの感想とかで結構頻繁に見るので、たぶん知っている方も多いと思います。 　しかし、この映画が真に凄いのは、単に「差別」や「偏見」を取り上げて、その問題を指摘して、「だから差別はいけないことですよ」とかそれらしく語るだけの凡庸な映画とは一線を画している点です。 　映画の始まり、幼少時代のエピソードを挟んで、ジュディは田舎から警察官を目指してズートピアに来ます。しかし、「ウサギのような小動物・草食獣は警察になれない」「どうせ役に立たない」「駐禁を取り締まるくらいしかできない」などというレッテルを貼られ、周りからバカにされてしまいます。 　……という導入を観ながら私は、「あ、なるほど。みんなから馬鹿にされているジュディが活躍して周りを見返す話なのかな？」なんて想像をしていました。 　ところが。この映画は、ディズニーはそんなところではもちろん終わらない。 　予想通り、ジュディは相棒のニックとともに大活躍、ズートピアで起こっている事件を見事解決しますが、その後のヒーローインタビュー的な会見で肉食獣への差別を助長する発言をしてしまい、ズートピアで肉食獣の立場が悪くなるきっかけを作り、ニックからも見放されます。 　そしてジュディは自分の間違いに気付き、ニックに真摯に謝りに行きます。 　この、一連のストーリーの流れが、見事としか言いようがないなと。 　ただ単に「差別は良くないよ」と呼びかけるだけなら、”社会的弱者”のジュディが活躍するサクセスストーリーでもよかった。 　でも、それでは、”差別の普遍性”を観客に訴えられない。つまり、「ああ、差別は良くないね（私はしてないけど）」という感想で終わってしまう可能性がある。 　そこで、ディズニーの制作陣は、そこにもう一段深みを与え、 　「差別されていたジュディも同時に差別する側であった」という仕掛けを用意した。 　差別、偏見は、「差別する側・差別される側」という単純な善悪の構造ではない。全員が差別意識をどこかに持っている。 　差別意識、というと強い言葉になりすぎてしまうけれど、 　バイアス、偏見、ステレオタイプ、先入観。これらは人間であれば持っていて当然のもので、そもそも人間は過去の経験や知識を基にすることでよりよいジャッジをできるようになる生物だから。予備知識があるからこそ、私たちは毒キノコを食べないし、そのへんのスズメバチに石を投げないし。 　ただ、予備知識と差別の違いは紙一重であって、誰もが意識しないうちに差別の加害者になってしまうし、それに気づかないことすらあり得る。 　それを最も的確に伝える方法として、それまで偏見を持たれる側であり、同時に観客が感情移入する対象にもなるジュディが、一転して偏見を振るう側に変わる、という演出が素晴らしい。 　そこまで丁寧に描いてきた、ジュディの正しさ、善性、そういったものが全て伏線として機能して、「そんな正しいジュディでさえも偏見を持って接していた」というところに持っていく。見事としか言いようがありません。 　 　そして、そこに対して、問題に真正面から向き合って「謝る」、という解決を持ってきたのがまた、素晴らしい。 　バディが考えのすれ違いから一時的に不仲になる、というのはお約束ではあるのですが、それに対して、「特に謝るとかではなく、なし崩し的に仲直りする」みたいなケースも結構あるような気がします。……あんまり具体例出せなくて申し訳ないんですが。 　ズートピアの設定で言えば、ニックと一度別れた後でジュディが事件の解決のカギを見つけて、ニックのところに飛んで行って、「一刻を争う事態だから早く来て！」みたいなことを言って有無を言わせずに連れていく、みたいな。それはそれで、展開としてはありそうじゃないですか。 　例えばこれが、「勘違いだった」「ニックにも悪いところがあった」みたいな話だったら、その展開でも十分だった。 　でも、この件では、100%ジュディに問題があって、だから、ちゃんと謝る。 　「実は理由があって」とか言わないし、「記者にそそのかれて」とか言い訳しないし、「幼少期のトラウマが」なんて話もしない。それらは１つの要因ではあるかもしれないけど、ジュディがニックに対して持っていた根源的な恐怖そのものは、やっぱり他の誰かに押し付けることのできない、ジュディの問題だから、逃げられない。 -------------------- 　もう１つ。この映画が素晴らしいなと思ったのは、「社会を変える」という強い意志を感じたところです。 　今作の主人公ジュディは、強気で、ちょっと生意気で、世間知らず。スペックは高いが理想も高くて、そのために周りからは「邪魔な奴だな」とか思われる。日本でいう意識高い系ですね。 　で、こういう、一般的な社会常識から少しずれた価値観と、そこに対する問題意識を持った少年少女が、それを許容しない社会・コミュニティに対してどう折り合いをつけていくか……みたいなのは、割とよくあるテーマで。 　ただ、だいたいの映画は、「周りからどう思われてもいい、自分は自分」とか、「今いる場所もそれなりに幸せ」みたいなところに落ち着いていたと思うんですよ。 　実際、『シュガー・ラッシュ』はかなりそれに近い話で、悪役だからという理由で同じゲームのコミュニティに受け入れてもらえなかった主人公ラルフが、主役にはなれないけれど自分なりの居場所を手に入れて、悪役としての仕事にも価値を見出す、というようなエンディングでした。 　また、『アナと雪の女王』も、氷の力によってアナと距離ができてしまったエルサを、アナが受け入れる、というような話でした。 　それらは確かに現実に即した結末で、「人生つらいことばっかりじゃないよ」とか、「どんな環境であっても考え方次第で幸せになれるよ」とか、そういう励ましのメッセージではあるかもしれませんが、 　一方で、「人は自分が何になるかを自分で決めることはできない」という敗北を促すメッセージでもありました。 　 　『ズートピア』が凄いのは、この当たり前の構造を否定したこと。 　「各個人にとっての幸せは自分自身で決める権利がある」。 　この映画の感想で、「駐車違反取り締まりが価値の低い仕事として扱われているのがおかしい」という批判をよく目にしましたが、私はこれも意図的なものだと思っていて、もちろん無意識的な差別を気づかせるためにあえて残したのかもしれませんが、 　それ以上に、「駐車の取り締まりが価値ある仕事かどうかは本人（ジュディ）が決めるべき」ではないかと。 　これが、ジュディが駐車違反の取り締まりにやりがいを見出す……みたいな話だったら、それはもういつも通りの、被支配階級が役割を強制される、ありふれた物語です。それは、強制された役割を演じることを受け入れたニックとの対比にも見られます。 　そうではなくて、ジュディが、自分のしたい仕事に拘ってこそ、ズートピアの「ここでは誰でも何にでもなれる」というメッセージが明確になるのです。 -------------------- 　『シュガー・ラッシュ』において、序盤でラルフに対して酷いことをしたいじわるじいさんも、それ以外のラルフを仲間外れにしていたゲームの人々も、最後までラルフに対して謝ることはしませんでした。 　ラルフは確かに変わったのだけど、他の人たちは最初からそのまま。これは、ともすれば「差別する側に立つ方が安全かつハッピー」「マジョリティは変わる必要がない」という教訓をも内包してしまっています。 　つまり、『シュガー・ラッシュ』におけるメッセージは、 　ポジティブに捉えれば「社会は変えられないけど、自分自身は変えられる」というもので、 　ネガティブに捉えれば「自分自身は変えられても社会は変えられない」というメッセージと表裏一体だったのです。そして、このメッセージは古今東西あらゆる物語で使われたテーマでもあります。 　 　『ズートピア』は、このポイントでも、１つ上の次元に達しています。 　「社会は変えられないっていうけど、そもそもその社会って私たち一人一人の集合体なんだから、私たち全員が変われば社会も変わるでしょ？」 　という、本来なら当たり前のことを示したのです。 　「社会に適応しているマジョリティ」「社会に合わせて変わらなくてはならないマイノリティ」という二元論なんて本当はどこにもなくて、 　みんながみんな、ある問題ではマジョリティでも、ある問題ではマイノリティだし、ある空間、ある時間の中では強者にある人が、別の時間・空間では弱者になったりする。 　その中で、「弱者は弱者なりに、強者に逆らわず、工夫して生きていこう」というのではなく、「弱者じゃない人なんていないんだからもっとお互いを認め合っていくべき」という考え方。 　 　「世界をよりよくする」というジュディの口癖でもある理想は、この問題と確実に対応しています。 　映画を通してこのフレーズは登場しますが、ジュディのその言葉に対する考え方は確実に変化していきます。 　序盤のジュディにとって何が間違っていたのか。それは、「世界をよりよくする」の「世界」にジュディ自身も含まれていることを無視していたことです。 　自分 - それ以外の世界、という分け方は間違っていて、それが明確に浮かび上がるのがやはりジュディが会見で差別に加担してしまうシーン。 　「社会に差別されている私」から「社会の差別を構成している私」にジュディの立場が一変する。 　でも、『ズートピア』という話は、そこでジュディが自分の理想を諦めたりしない。平穏な暮らし、ちっぽけな幸せに落ち着きました、めでたしめでたし、とは、しない。 　自分自身も差別や偏見の中にいて、決して崇高な善人なんかじゃないことを受け止めて、 　その上で、それでもよりよい自分になろうとする。自分の間違いを認め、ニックに謝りに行く。 　「世界をよりよくする」という理想の傲慢さに気づいて、それでもそれを追いかける。 　この、理想の挫折と、そこからの理想の修正を描いたことこそが、『ズートピア』の真に称賛されるべき点ではないかと思いました。 -------------------- 　この記事の途中で「ジュディが意識高い系」という表現を使いましたが、 　今の世界（特に日本社会）では、意識高い系が現実に妥協して意識を低くすることが是とされすぎているように思います。 　それは、和を尊ぶ文化の結果といえばそれまでかもしれないけれど。 　そのゴールに辿りつかせるためのプロセスが間違っていたからといって、ゴールまで諦めさせる、否定する必要はどこにもないんじゃないかと。 　 ...

いろいろと反応を頂いた、前回の記事について。 　冒頭に書いた通り、「アクセス数とか気にせずに書きたいことを書く」というスタンスで臨んだわけですが、 　何を間違ったのかヒトリエクラスタの間で小さくバズったらしく、結果的に私の過去記事で最高クラスのアクセス数を記録しました。 　普段デイリー100アクセス前後のブログが、1日で700アクセスとか達するのはほんと心臓に悪い。いや、ありがたいことなのですが……。 　↑やばい。 　改めてあの記事読み直すといろいろ粗いところがあって恥ずかしいのですが。 　こんなに読まれるなら1日おいて精査しとけばよかったとも思いつつ、そもそもあれを1日で書き上げた理由は2月中の8回更新達成がかかっていたからなのですが。 　まぁ、ああいう内容は文章を整えて隙を完全になくすとむしろ皮肉っぽくなりますからね。なんとかTIMESみたいに。なので、あのくらいの勢いでよかったのかもしれません。 3471 ...

私はふと思いました。 　最近、このブログはどうも、読者受けを気にしすぎていると。 　Bremenの感想記事やSurface Pro 4のレビュー記事のアクセスが思ったより伸びたことに気をよくしたあまり、検索エンジン経由の流入に目が眩んで、どこにでも落ちているようなレビュー記事ばかり書いている。 　間違ったことを書いて突っ込まれるのが怖いので常に神経を尖らせて書かなくてはならないし、新発売の商品のレビューなんて鮮度が命ですから、早く書けと急かされてしまう。 　今までブログ記事を書くのは私にとって最大の楽しみであり最高の息抜きであったはずなのに、レビュー記事を書くことはストレスになりつつある自分に気づいてしまいました。 　これではいけない。もっと自由に、思ったことを、ソースとか正確さとか気にせずに、「個人の感想」として書きたい。 　というわけで今日はずっと思っていたけど、不正確なことを言ってファンの方や詳しい方に突っ込まれるのが怖くて強く言えなかったことを吐き出します。 　最近のヒトリエ、なんか違うでしょ。 3470 ...

米津玄師さんの3rdアルバム「Bremen」の感想です。 　 　前にも「YANKEE」や「モノクロノ・エントランス」の感想を雑に書き殴っていたのですが、アクセスログとか見てたら、意外と検索エンジン経由で感想を求めてうちに来てる人が多いようなので、ちょっとは真面目に書こうと思っています。……たぶん。 　ちなみに私はROCKIN' ON JAPANのインタビュー読みましたので、それを前提にした感想になっているかもしれません。ネタバレとかいう話ではないと思いますが気になる方は買いましょう。 　ただ大まかな内容はナタリーさんの記事に上がっているので、そちらを読むだけでもいいと思います。 　米津玄師「Bremen」特集 (1/3) - 音楽ナタリー Power Push 　 　で、Bremenの内容について。 　1stアルバム「diorama」、2ndアルバム「YANKEE」、そしてこれ、と、並べた時に、 　米津さんの描く世界観が変化していっているというのは確かだと思います。 　そして、その大きな変化はどこにあるのか…というところなのですが。 　このアルバムのテーマは大きく２つに分かれていると思っていて、 　１つが「メッセージ性の強い、みんなを引っ張っていく曲」。 　これの代表が『アンビリーバーズ』で、シングル発売時のナタリーのインタビューでも、「代弁者」としての役割を意識しだした、という話が出ています。 　その結果、今まではあまりなかった「僕ら」という主語が多く出てきた。 　他には『ウィルオウィスプ』『Undercover』などもこちらかな、と。 　アルバムのモチーフである「ブレーメンの音楽隊」も、"音楽隊"という集団が前提になっていますし、孤独とか孤高のイメージはほとんどありません。 　『ゴーゴー幽霊船』が、「見えない僕を信じてくれ」という、ある種独りよがりなメッセージを持っていたのとは対照的です。 　一方で、『メトロノーム』『雨の街路に夜光蟲』などに出てくる「僕ら」という主語は、単語が同じでも意味が違って、 　もっと小さな単位、つまり「君と僕」という２人だけの世界が作られている。 　それがこのアルバムのもう１つの側面である、「愛」をテーマにした楽曲、と言えるのではないか、と。 　ラブソング…とまではいかないものもありますが、とにかく「愛すること・愛されること」に触れている曲が多い。 　「メトロノーム」「Blue Jasmine」はもちろんなのですが、「フローライト」「雨の街路に夜光蟲」「シンデレラグレイ」など、とにかく「僕 / 君」という言葉が多く出てきます。 　で、そういう曲が今までのアルバムになかったか？と言えばそんなことは決してなくて、 　例えば1stアルバム「diorama」では、『vivi』がそれにあたると思うのですが、 　『vivi』と『メトロノーム』の歌詞を比べた時に、『vivi』の方がより抽象的な歌詞になっている、という違いがあります。 　で、もう３年くらい前の話ですが、私は「diorama」発売時に、「酒処風船屋」というイベントに行ったことがあって、 　これはボカロPのレーベル『BALLOOM』のメンバーが集まってロフトプラスワンでお酒を飲みながら夜にトークをするという、ファンからしたらなかなかたまらないイベントで、 　メンバーも米津さん・wowakaさん・とくさん（GARNiDELiAのコンポーザー）・アゴアニキさん・すこっぷさん・古川本舗さんなど、特に2010年前後のボカロ界を代表する方々が集まっていたので個人的にはいつかまたやってほしいなと思っているのですがそれはおいておいて、 　ともかくその第４回、『diorama』発売記念に行われたイベントで、米津さんが 　「『マトリョシカ』や『パンダヒーロー』の歌詞が意味不明だと言われたので、そうではない曲も作れるんだ、という証明のために『vivi』の歌詞を書いた」 　という主旨の発言を行っていたように記憶しています。（その発言でwowakaさんが嫉妬してた） 　で、この発言はつまり、『vivi』の歌詞に対して当時の米津さん自身はあまり実感を持っていなかったのかな、と。 　歌詞を書くとき……私自身もそうだったりするのですが、あまり直接的なこととか、自分自身の実体験に基づいたことなんかをそのまま書こうとすると、それを曝け出すこと・発信することがどうしても恥ずかしかったり抵抗を覚えたりしてしまうもので、おそらくそれは若い時ほど強く感じることで、 　『vivi』の時点、さらに言えばボカロ時代の『WORLD'S END UNBRELLA』『恋人のランジェ』なども含めて、 　当時は書けなかった歌詞、また、当時は実感のなかったことを、時間の経過によって説得力を持って書ける/歌えるようになった、というのが、『diorama』から『YANKEE』を通して『Bremen』に着地した、米津さんの変化、ということなのではないかな、と思っています。 　……いや、米津さんが実際どう変わったかとか、全然わからないですけどね。本人と話したこと、その風船屋で『diorama』のCDにサインしてもらった時の一瞬だけですし。（軽い自慢） 　ともかく、そういう目線で曲調の変化についても見てみると、 　不協和音が減り、シンプルなアレンジの中でメロディーラインが際立つ曲が多い印象です。 　これも本人がインタビューでさんざん語っていることですが、自分の好きなように作ってきた「diorama」から、大衆に受け入れられることを意識した『Bremen』、という違いがあって、 　万人が良さを感じるような曲が多いと思います。 　『Brremen』の曲たちよりも『diorama』や『YANKEE』が好き、という人はいても、『Bremen』が嫌い、という人はあんまりいないんじゃないかと。 　で、これで米津さんの良さが失われたか、と言えば、全くそんなことはなく。 　確かに『結ンデ開イテ羅刹ト骸』『マトリョシカ』や『ゴーゴー幽霊船』にあったような、「一発でそれとわかるオリジナリティ」はなくなっているかもしれませんが、 　特徴的なメロディーライン、密度の濃い歌詞と音作り、高い中毒性を生み出す語感の良い歌詞、といったものは相変わらずの「米津節」として残っています。 　……とはいえ、4thアルバム以降で、『diorama』やボカロ時代の曲に一切回帰しない、ということであればやや口惜しさが残りますが、でもツイッターでは今回のスタイルをずっと貫くわけではないらしいことも仄めかしているので、期待したいところです。 　個人的には『Bremen』の方がずっと聴いていられる心地よさがあって『diorama』や『YANKEE』より好きかもしれないです。 　そもそも不協和音を多用する音楽って、先鋭化・多様化してとにかく新しいものが求められていた2009~2010年当時のボカロ・ニコニコだからこそ受け入れられていた部分があって、 　根本的に、「不協和音」というのはメジャーシーンで受け入れられるにはアクが強すぎるのではないでしょうか。 　実際、ハチさんとwowakaさんが完成させた「高速ボカロック」は『カゲプロ』『kemu VOXX』『脳漿炸裂ガールシリーズ』に引き継がれて今でも人気を保っていますが、 　不協和音を押し出した曲はほとんど後続が出ていない印象です（高いセンスが要求される部分もあるにせよ）。明確な後継といえるのはトーマさんあたりだと思いますが、同時期のじんさん・kemuさんなどと比べると相対的にマイナーです。 　そういう意味でも米津さんが、自分の良さ・オリジナリティを損なわない形でよりポップな路線に舵を切ったことはおそらく良い判断になるのではないかと思いますし、 　『YANKEE』を経由して生まれた『Bremen』は米津さんにとって、その一旦の着地点であると同時に新たな出発点になるはずなので、 　そういった「新しいけど心地良い」音楽をどんどん作り出してくれるのではないかという期待をより膨らませてくれる素晴らしいアルバムだと感じた、というのが私の感想です。 -------------------- 　最後に１曲ずつ軽く感想を。 1. アンビリーバーズ 　シングル曲。１曲目にふさわしいカッコいいエレクトロ風味。 　歌詞も曲も「皆を引っ張っていく」イメージが強い。サビのメロディーの気持ち良さは流石です。 2. フローライト 　うってかわって明るい曲。PVも相まって「夏のキラキラした風景」が思い浮かぶ。 　米津さんの曲ってサビの後に短いメロディーが続くことが多い気がします。『アンビリーバーズ』もそうだし、『Flowerwall』もそうだけど、単純に４小節や８小節で区切れない感じが中毒性と独自性を生み出してるのかなあと思ったり。 3. 再上映 　新曲。…いやこのアルバムだいたい新曲なんですが、１～４曲目の中で唯一PVが上がっていないので相対的に新しく感じる。YANKEEもそうでしたけど、もう少し既発表曲を全体に散らした方がいいと思うのは私だけでしょうか？ 　曲名と歌詞が割とストレートにリンクしていて、伝えたいことがはっきりしているのがちょっと珍しく感じました。 4. Flowerwall 　ニコンのCMで有名な曲。壮大で美しい。 　「サンタマリア」に近いものの、より音の広がりを感じられる曲です。 5. あたしはゆうれい 　小気味のいいリズムと意味のない言葉の羅列で始まる楽しげな曲。メランコリーキッチンに雰囲気似てるかも。 　一人称が「あたし」なところから含めて歌詞は切なげ。 6. ウィルオウィスプ 　何となく暖かい気持ちになれるサウンド。 　歌詞は「ブレーメンの音楽隊」のモチーフが特に出ています。 　Will-O-Wispが「鬼火」なのを私はポケモンXYを英語版で進めたので知っている。 7. Undercover 　このアルバムの中では相対的に珍しい、クールな曲です。「ドーナツホール」や「パンダヒーロー」が好きな人が好きになるかもしれない。 　歌詞は暗いように思えて決してネガティブではないのがポイント。 8. Neon Sign 　ギターサウンドが前面に出たクールな曲。こちらも『Undercover』と立ち位置は近い。 　音・歌詞ともにサビの気持ち良さが随一で、さすが米津さんだと思わされます。 9. メトロノーム 　手描きPV。恋人同士の別れが描かれています。 　 ...

７月になりました。 　ブログ更新。毎日更新を始めた最初の方は「なんだこれ超楽しい！」ってなるんですけど、 　しばらくして毎日更新を止めると「なんだこの解放感最高かよ！！！」って感じの反動形成によって一気に更新する気がなくなりますね。 　ふと気づけば留学まで５日を切ってるわけですけど、荷造りが全く終わってないので真剣に焦っている。金曜にやる！金曜にやるから！ -------------------- 　ヒトリエ「モノクロノ・エントランス」届きました。 　 　えーと、もうここ１年以上ヒトリエの新曲を聴くたびに、またはライブに行くたびに、言ってることですけど、 　「普通に良かった」 　いや、ここで言う普通、というのは、平凡という意味ではなく、 　「いつものヒトリエクオリティだった」という。 　良く言えば安定していてカッコいいし、言語感もメロディーセンスも全く衰えていないのだけど、 　悪く言えば驚きとか新鮮味がなかった。 　今回は「wowakaプロデュース」を前面に押し出してたんですけど、 　そもそもヒトリエというバンド自体がwowakaプロデュースみたいなところあるんで、前作との違いはそこまでピンとこなかった。 　強いて言えばトーキーダンスはボカロ時代の雰囲気というかほぼワールズエンドダンスホールでしたが。 　で、じゃあワールズエンドを超えるパワーがあったかといえば、そうではなく、 　人間ボーカル、人間演奏、４ピースのバンドサウンド、などの部分が、個性を丸めてしまっている感じがあり、どうも「いつも通り」という感じがしてしまうんですよね…。 　たとえば、米津玄師（ハチ）さんの場合は、独特の音作りや世界観があって、打ち込みのサウンドも（ペトリコールなど）今でも使っているので、未だに新曲を聴くと「凄い、まだ進化してる…！」みたいな印象を受けるんですけど、 　ヒトリエの場合は、ボカロ時代の最後の数曲（ワールズ、アンハッピー、額縁、プリズムキューブ）と、バンドの最初のアルバム（ルームシック・ガールズエスケープ）で既に完成しきっていて、そこからは進化というより変化、みたいな感想を持ってしまっています。 　 　…と、ここまで、まるでアルバムを気に入らなかったかのようなテイストで書いていますが、 　実際聴いてて飽きない曲の魅力はさすがwowakaさんという感じですし、メロディーのフックの強さも、まだまだ引き出しがあることに驚かされるばかりです。 　曲の雰囲気はどれも今までになかった感じですしね。特に「劇場街」とか。 　……そういう意味では、マンネリ感があるのはむしろ歌詞なのかもしれません。 　ボカロ時代はまだ「転がる」とか「世界の終わり」みたいなキーワードというかテーマがあったんですけど、最近はもう「歌いたい」「踊りたい」「新しい色が見たい」だけしか言っていないんじゃないかと、 　いやさすがにそれは言い過ぎですけど、前作『WONDER and WONDER』で曲の目線が架空の少女からwowakaさん本人に移っていくにつれて、どんどん曲ごとのテーマが似てきてる感じがするんですよね…。 　その点、セカオワなんかは何だかんだ言っても曲ごとにはっきりしたテーマがあるので、ワンフレーズ言われただけで「ああ、あの曲だ」ってわかるのでマーケティングとして上手いなって思います。 　セカオワの歌詞ってびっくりするくらい情報量少ないですけどね。 　・人それぞれの正義がある 　・だから争いが起きる 　・でもたまには休戦してドラゲナイ 　と３行で纏められるくらいです。 　いや、好き嫌いで言っていいなら断然wowakaさんの方が好きですよ。あくまでマーケティングの話です。理解しやすく話題に上げやすい。 　私、wowakaさんの歌詞大好きですけど、ここ最近の曲に関して「具体的にどの曲が好き？」「具体的にどの部分が好き？」って聞かれたら答えられないですからね。 -------------------- 　……あれ、途中から褒め始めたつもりが終始disってる感じになってしまった……。 　ただ、一つ言えるのは、なんだかんだ言いながらも間違いなく全曲聴き倒すことで、 　実際WONDER and WONDERも、最初に聞いた時はあんまり気に入らなかったのですが、 　全曲４０回以上聴きましたし、5カウントハローは210回聴きました。そういうものです。 　ヒトリエは私にとって、「熱狂的に大好きなもの」から「日常的に気に入っているもの」に移行したのかもしれません。 　タリーズコーヒーのカフェラテからセブンコーヒーに近づいたみたいな、そういう感覚。 　別に「セブンコーヒー大好きです！」って熱く語ったりはしないけど、飲んでる回数で言えば圧倒的に多い。学校あるときは週２～３くらいで飲んでる。そんな感じ。 　…この記事読んで買いたいと思う人いるのか…？ 　いないと思うんで一応ちゃんと１曲ずつ褒めておきたいと思います。 　１、劇場街 　明るくて美しい雰囲気、実はヒトリエの新境地かも。ちょっとラインアートっぽい。 　なんかよくわからないけど延々聴いていたくなる。ギターの重なり方とボーカルのハーモニーが妙に美しい。 　２、トーキーダンス 　PV有り。上にも書いたけどワールズエンドダンスホールにあえて寄せたのかな、と思うくらい似ている。 　ただ、メロディーの強さはボカロ時代を思わせて、一発で引き込む力はかなりある。リードトラック。 　３、サークル サークル 　一転して最近の（W&Wの）ヒトリエっぽい。しかし悪い意味ではなく、独特なメロディーの転がり方が聴いてて楽しい。テンポの速さと細かい刻み方が気持ちいい。 　４、深夜０時 　イントロが凄い。一発で心を掴まれる。リフがなんか楽しそう。サビに繋がる部分のメロディーが奇妙で凄い。 　５、モノカラー 　入り方で同人アルバム『SEVEN GIRLS' DISCORD』の「秘密の値段」「意識の値段」を思い出した。 　アルバムを締め括るにふさわしい、心に沁みるタイプの曲です。 　余談ですが、ヒトリエの静かな曲は「カラノワレモノ」「泡色の街」「Inaikara」「さらってほしいの」「(W)HERE」「浮遊と沈没と」…と、新譜のたびに増えていたものの、「カラノワレモノ」が原点にして頂点で、あとは霞んで見えるきらいがあったのですが、 　しかし、実質静かな曲が全くなかった『WONDER&WONDER』を挟んで出てきたこれは、久々にクリティカルヒットというか、バラード系で一番好きかもしれないです。 　 　感想書くために改めて聴き直したら全曲めっちゃいい曲であることに気付いてしまった。 　やっぱりこのアルバム名盤だぞ！買うといいぞ！ 　 あ、そういえば、リンクで紹介しているのは初回限定盤ですけど、 　Amazonだと通常版との価格差が２００円くらいしかないんで、初回限定盤買う方がいいと思います。ライブDVDついてくるしね。 　前作と違ってボカロ曲がないからプレミア感は若干薄れるけど、でも生演奏は音源とは違う魅力がありますからね。 ...